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The Guide to See the World from Trivial Matters to Luxury Objects

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_petipetite

過日のボローニャ自炊ダイアリー。

過日のボローニャ自炊ダイアリー。

1. 使い慣れないカメラのホワイトバランスのせいで、黄色のキッチンはfoodpornに。(ファッションフードの文脈で10年前くらいよく見かけたね。だけど、もう死語？)

2. コールドミールだけだと食事と思えないのはアジア人の食慣習らしい。そうでなくてもスープ狂としては、ちょっと(だいぶ)高くともこのブロードを飲まずにこの街を去れない。日本に持って帰りたいほど本当に美味しくて、「ブロードを引く」という何時間あっても時間が足りなさそうなウィッシュリストがひとつ増えてしまう。

3-6. Tortelini(トルテリッニッ)ってかたちも音も可愛くて、それだけで選んでしまう。イタリア語は全くわからないけど、発話の音の感覚はとても心地よかった。

7. 午前中にはクローズしてしまうローカルな魚屋さん。教会のモザイク、ヴェネツィアのドイツ館に感動した後に見ると、壁のモザイクに目を惹かれてしまう。今度はもっと長期滞在して魚料理も作りたい。

ミラノ日帰りで23:30に帰宅して、調理始めて、日を跨ぎながら食べるという東京みたいな生活になってしまったある夜の記録。むしろ日常のリアリティを味わえたのか…

権力を誇示するための旗や尖塔ではない屋根の収め方として、「木を植える」ルッカの塔に藤森氏が可能性を見ていたけど、そもそもこの塔と、対角を成すもう一つの塔と明らかに街を見渡す(監視する)ように聳え立っているし、土も合ってなさそうに弱々しく植えられた苗木に、自動給水のパイプが張り巡らされていて複雑な気持ちに…

一方で、素焼きレンガに自生する植物たちが、名もなき建物から権威ある建物までお構いなく、その建物の表面に生気を宿らせながら、街の風景に豊かな表情を作り出すワイルドネスに魅了されずにはいられなかった。

1. Cattedrale di Santa Maria del Fiore, Florence
2. Torre Guinigi, Lucca
3. Lucca
4-5. Le due Torri, Bologna
6-7. Bologna

accidental venezian glasses🌀 1. temporary rest

accidental venezian glasses🌀

1. temporary rest at "Social Unrest" / MATTA gallery in Milan.

2-3. Off-the-books deal

「出光真子　おんなのさくひん」
東京都写真美術館
@topmuseum
2026.06.18-09.21

女性の身体とそれをとりまく環境、とりわけ「家庭内(ドメスティック)」の環境がテレビ・メロドラマの型を使って描かれる。
各々の家庭実情には多少なりと差はあれど、ここに映し出される光景は多くの人にとって身に覚えのある「家庭」の"ちょっと嫌な"様相だろう。日常を再演するワンシーン、その部屋の中に置かれたテレビモニターには、実際のテレビ番組(外部)の代わりに、自分と家族の"おおごとにするほどではない(と思われていた)"ありふれた暴力や歪んだ愛情の姿が映し出される。

おんなのからだの中に、家庭という閉鎖的な環境に染みついた、看過されてきた、でも、そうすることしかできなかったような苦しみに胸が締めつけられる。

しかし、カメラを通して外部と接続し、テレビを媒介として外在化させ、もう一つの視線を挿し込み、環境や他者との境界が曖昧になった自らの身体をそこからデタッチメントしながら、主体性、意志、意識を取り戻そうとする出光真子の映像作品群は、この上なく希望にも満ち溢れているのだ。

閉鎖的な家庭内では、母、娘、夫、息子…とそれぞれの役割が無意識に当て嵌められ、内面化されていく。古くから、神話や宗教的な物語でも、男、女、息子、娘など、それぞれの役割に世の摂理が象徴されてきた。そういう象徴によって神聖化されることによって生み出された苦しみもあるだろう。しかし、象徴はある意味で相対化する手段でもあったのではないだろうか。現代社会では相対化する象徴もなく、母娘問題に顕著なように、境界線(バウンダリー)が曖昧なまま、自分の身体が具体的な誰かによって同一化されることによって生み出された苦しみもあるのではないかと最近考えたりしている。

オープニングで、息子のひとりであるフランシス修さんも少し触れられていたように、《Inner Man》、《アニムスパート2》、《シャドウパート1》など、ユングの心理学の影響を感じさせる作品群には今回初めて出会い、より一層興味を惹かれている。

全部ちゃんと見たら3日かかるらしい？
また会期中何度も訪れたい！

#出光真子 #makoidemitsu

peripheral venice diary. 1, 2 Somehow, a good exh

peripheral venice diary.

1, 2 Somehow, a good exhibition also brings a beautiful view afterward, allowing me to savour its lingering atmosphere.
良い展示ほど、そこから出た瞬間にも良き風景を同時にもたらしてくれる不思議

3,4 Details worth considering
考察に値するディテール

5 An origin of "Umarell" is from Bologna, but it's decent enough.
「ウーマレル」発祥の地ではないけど、まずまずの出会い

6 Every dog has his well.
犬も歩けば井戸にあたる

7 Venezian way of taking the garbage out.
ヴェネツィア流ゴミ出し

8,9 Seagulls, gals and gang.
カモメは海のギャングでそしてギャル

10 Grazie, sister.
ここに泊まれなければヴェネチア行きは断念してました

Obol by Andrius Arutiunian @andrius_arutiunian Pe

Obol by Andrius Arutiunian @andrius_arutiunian
Period : until 31 May, 2026 (sun)
Venue: Hermès Maison Ginza Le Forum
@fondationhermes
Curator: Tomoya Iwata @tomoya_iwta

Obol | アンドリウス・アルチュニアン展
会期：2026年5月31 日（日）まで 会場：銀座メゾンエルメスル・フォーラム キュレーター：岩田智哉

Only a week left until the exhibition ends (31 May)!
会期終了まで1週間です！

=========

*unofficial and informal POV😉

✍️A small note on the exhibition “Obol” by Andrius Arutiunian

“Music is liquid architecture; Architecture is frozen music."
― Johann Wolfgang von Goethe

Since ancient times, there has been a deep connection between music and architecture. Even in modern and contemporary architecture, this connection has mainly been applied through mathematical or geometric interpretations, such as Iannis Xenakis with Le Corbusier, Daniel Libeskind etc…

The solo exhibition ‘Obol’ by artist and composer Andrius Arutiunian unfolds an investigation of the underworld’s future —a mirror of the real world—drawn from the aesthetics of an underground rave.

Interpreting the exhibition’s key elements—bitumen, myth and time—as its compass, this essay explores the possibilities of ‘architecture as music’ or ‘music that renders textures on “frozen architecture (place / space)”’.

「建築は凍れる音楽である」―ゲーテ

古代より音楽と建築の関わりは深く、クセナキスとコルビュジエ、リベスキンドなど、近現代建築においても数学的あるいは図形的な解釈としての応用がなされてきましたが、本稿では、アーティスト／作曲家であるアンドリウス・アルチュニアンの個展「Obol」が地下レイヴの美学から描き出す、現実世界の鏡としての地下世界－冥界のビジョンから、音楽としての建築、或いは「凍れた建築(場)」にテクスチャを取り戻す音楽の可能性について、本展の主題となる素材：瀝青、神話、時間を手がかりに探索します。

🔗in bio

Flash report of @labiennale @dutch.pavilion.venice

Flash report of @labiennale @dutch.pavilion.venice

“The Fortress”
by Dries Verhoeven
@studiodriesverhoeven
curated by @riekevos

A small note on the performance at 12:00 on 9 May 2026.

パフォーマンスは撮影禁止で行われた。(オーストリア館の裸の女性たちの写真撮影に制限が設けられていなかったのが改めて少し疑問に思えてくる。否写真NGのサインはあったが黙認されていた…)

パフォーマンスの開始時間になると、定員に達するまで観客は中に案内され、そして入り口のシャッターが閉じられる。初日がデモへの連帯で展示クローズというニュースを見ていたので、何かへのプロテストとして引き続き実施を見送っているかと思っていたのだが、そうではなかった。客入れの一瞬しかシャッターが開かないため、ずっとクローズしているように見える。

会場には白い簡素なスツール(リートフェルト)とヴェネチア・ビエンナーレの歴代の図録がアクリルに封入されたものが点在している。ほとんど物のない空間では、普段気に留めることのないところに目が行く。

天井近くに大きく入った亀裂。
壁のヒビ。

シャッターがさらに閉じる。

突然、ある観客が叫ぶ。
STOP!

HELP
YOURSELF

喉を鳴らすような苦しそうな声*に、こちらも呼吸が浅くなる。
* 「グラウリング」というデスメタルに由来する、声の最も低い音域を用いる技法だそう。

天井のシャッター(ルーバー)が一枚閉まる。

SMILE

HOLD ON YOUR GROUND

観客から奪い取った椅子に乗り、動かない壁を必死に動かすように壁に向かって叫ぶ。
自分の土地を奪われまいとしがみつくような切実さ。壁やシャッターは、制度や権威のように、私たちを取り囲み、自らの手の及ばないのところで操作される。
観客は既に危機的状況にあるかもしれないし、次にターゲットになるのは自分かもしれない。世界のパレスチナ化。パレスチナ人映画監督E.スレイマン『天国にちがいない』(2019)の予見した世界ではまだユーモアをもってSMILEと笑い合えただろうか。

また一枚シャッターが閉じる。

ENGAGE

この空間を共有する私たちにもエンゲージメントが求められている。

確固たる歴史として存在するかのような本(図録)を足で倒す。滑らせれる。
ジーンズを腰まで下ろして、赤ちゃんのように地面を這う。
言葉にならない声で唸る。

DO YOU WHAT YOU WANT

DON'T STOP
KEEP GOING

成長に猛進する企業のキャッチコピーみたいな言葉が、薄暗闇に虚しく響く。

ジーンズを上げ、シャツを脱ぐ。
今度は壁に向かって。
低い唸り声と同時に、発していないはずの高周波の音が聞こえてくる。
壁と身体の反響で、音がヒビ割れていくような。
声は、声までも破壊されていくのだろうか。
声を上げ続けることで、壁(制度や権威)と身体の間に、今にも消えてしまいそうな、しかし確かなノイズを残すことができるのだろうか。
破壊されてもなお、修復することは可能なのだろうか。

最後のルーバーが閉ざされていく。
観客は段々と影に、個人の識別不能な存在として消えていく。

PLAY MUSIC
PLAY BACK

過去は再生され続ける。この徐々に閉ざされていくパフォーマンスは、自閉していく世界、そして自分自身の現状を突きつけながら、ビエンナーレ（特にジャルディーニの帝国主義な）の牧歌的な世界から、現実世界へと観客を引き戻す。様々な意図をもって、観客を閉じ込めたり、締め出したりするパフォーマンスは行われてきたが、ここでは「不確かな世界で何か掴む（hold on）べきものを探し求める人間の姿を見る」ことで、楽観的でも悲観的でもなく、ただ現実を見ることにどう耐える（hold on）ことができるかを問われているようだった。

JOY

そして、完全なる暗闇へ…
初めは奇声のように感じられたかもしれない誰かの声だけが、光や距離感を失ったこの暗闇で、辛うじて自分(たち)の居場所を証明する標、バリケード、或いは生命線となる。途端に急に身に迫ってくる切実さを帯びる。

最終日に訪れたコラテラル・プログラム、ウクライナのPinchukArtCentreによる「STILL JOY」との共鳴を感じながら…

Flash report of @labiennale @deutscherpavillon s

Flash report of @labiennale @deutscherpavillon

stunning installation of @henrikenaumann and @sungtieu
curated by @kathleen.reinhardt

"In Ruin" by HENRIKE NAUMANN and SUNG TIEU

Architecture, not only its exterior but also its interior, is a medium that records the violence imbued within it, implying at the systems behind it and laying the absence that can never be filled.
A discreet yet radical critique of the history of relentless war.

まず外観に戸惑う。廃墟の落書きのような、でも乱雑さというよりも、静謐な緊張感に包まれる。ソリッドな建築は、ドイツの機能主義的でもあり、あたかも元々そういう建築であったかのように錯覚しそうになるけど、ドイツ館はもともとは古典主義的な外観をしている。1938年のナチス・ドイツ時代にエルンスト・ハイガーの設計によって改築された「ファシスト」的な建物を、アーティストのSung Tieuが、東ドイツ（GDR）のプレハブ式の社会主義住宅に1／1スケール(原寸大)で置き換えていく。300万枚以上のモザイクタイルによって。そこは、ベトナムにルーツをもつ作家がかつて住んでいた外国人契約労働者向けの最大級の住宅団地の一つであり、現在は取り壊しが予定されているという。記憶がまたひとつ消えていく。

モザイクタイルは古典的な装飾というよりも、近現代の都市空間を覆うそれを想起させ、妙なリアリティで迫ってくる。名もなき人々の痕跡は、その身体もピクセル画のように抽象化され、やがて消滅していくような。

また、内側の壁面は緑色に塗られており、上方のスリット窓から覗くその色(光)にも不穏な空気が漂う。後日訪れた
@fondazioneinbetweenartfilm 「CANICULA」で展示されていた、Roman Khimei and Yarema Malashchuk《Wishful Thinking》(*1)の展示室の緑色のブラインドも同様に。あのミントグリーンの色はソ連の「共産主義的」な何かを喚起させる。その時代、文化圏に生きていなくても。建築に染みついた記憶、不在について考えずにいられない。

緑色の壁の部屋、入り口入ってすぐの展示室にはヘンリケ・ナウマンの作品が展示される。家具、カーテン、道具など、ドメスティックな風景に、時代背景というのは無意識に投影されていく。「ヴィンテージ」や「ムード」として手にされ、消費されているデザインアイテムの背景に潜む歴史…

両サイドの展示には、SUNG TIEUの彫刻作品が展示される。壁に並べられたアルミニウムの棒も、床に置かれた半円形の窪みをもつ一対の棒も、暗号のような、素材感も相まって拘束具や解剖台のような冷徹で不穏な空気が漂う。反対側の展示室には、身体の一部を象ったガラス彫刻が展示されるが、いずれも作家自身あるいは作家の母親の身体から模られており、スケール、計測という技術が、人体の拘束、処罰、管理に使われてきた歴史について、問いかける。

アカデミア美術館で行われていたアブラモビッチの個展では、様々な自然鉱物に身体を押し当てる観客のインタラクションを求める作品が展示されていた。自発的なキャリブレーションへと誘う窪みと、型に嵌めるための窪みと…

(*1) ロシアによるウクライナ侵攻がすでに終結した架空の未来を舞台に、高齢のロシア人兵士たちが、自らの役割や責任について後悔したり、隠蔽したり、あるいは無視したりする姿が描かれるマルチチャンネルの映像作品。ソビエト時代のウクライナの劇場でロシア文学や演劇の登場人物を演じることでキャリアを築いてきたウクライナ人俳優たちが演じる。

Flash report of @labiennale

「草の赤ちゃん、月の赤ちゃん」🇯🇵
荒川ナッシュ医
@japanfoundation

オーストリア館に続き「赤ちゃん抱っこしたい」というお客さんが大行列をなす日本館。なので、むしろパフォーマンスの時間の方がすんなり入れて、パフォーマンスを見た。

パフォーマンスは、子どもをあやしながら家事する時のようなカオス？の中で行われて、それはそれでリアリティがあってよかった。それぞれの赤ちゃんは、親を疑似体験するためのベイビートイではなく、それぞれ日本と他国をめぐる様々な歴史的背景を背負うルーツをもって生まれたという設定になっている。そういう背景に基づくそれぞれのアイデンティティや性格は、直接的なかたちではなく、占い師の石井ゆかりさんのポエティックなテキストで添えられているのだが、私が見たパフォーマンスでは、その文章を読み上げていくことがメインのようだった。（会場にもプロジェクションされているが、一体どのくらいの人がそれを読んでいるのだろうかという感じではあった）

パフォーマンス最中ずっと膝の上で、赤ちゃんを抱えている人。途中アーティストやパフォーマーから自身が抱っこしていた赤ちゃんを預けられるので、観客でかわりばんこしながらお世話するように赤ちゃんが回ってきて、私も抱っこすることになった。

展示では、赤ちゃんを抱っこすることだけではなく、おむつがえも体験できるのだが、女性はまあ慣れた手つきで、よくも悪くも深い意味なくやっているように見えるが、男性の方がむしろ貴重な、新しい体験に触れているように熱心に取り組んでいる姿が印象的だった。

アーティストステートメントには、赤ちゃんを抱っこしなくてもよいとか、生殖をめぐるあらゆる考え方や事情に対する配慮的なものがちゃんと書かれているのだけれど、お客さんの方はというと、そういう葛藤など一切ないかのような赤ちゃんハッピームードに包まれていてばつが悪い。

世界中でたくさんの赤ちゃんが殺される中で、赤ちゃんを抱く、つまりその重みを感じながら「もつ」ことで、たとえ自分の子どもでなかったとしても、その命や、その子が背負う運命というものを「わが子のように」親密に想像することを目指しているとは思うのだが、なんというか子どもを「もつ」ことと「産む」ことには埋めようのない溝があるように感じてならなかった。

赤ちゃんは4カ月の月齢の体重だそうだが、先日抱かせてもらった友人の赤ちゃんよりずいぶん重たく感じた。アーティスト自身の子どもの4カ月の時はこれくらいだったのか、平均的な重さなのかはわからないけれど、乳幼児は特に成長のスピードがバラバラなはずなのに、個体差がない赤ちゃんというのが不気味さを増している。同じ重量でも赤ちゃんや動物を抱っこする時と、米俵（もの）を持つ時とでは重みが違うことがある。抽象的な意味では動物の方が重いのだが、物理的にはものの方が重く感じられることがよくあるが、それは向こうから歩み寄ろうとする力：信頼がないからだ。ごっこ遊びの延長にリアリティが手繰り寄せられるのか、ごっこ遊びで留まってしまうのか、難しい。

(追記)「泣かない手のかからない赤ちゃん」みたいなのも気持ち悪かったのかな。ここにいるすべての赤ちゃんがそれぞれ泣きじゃくってる手に負えなさがあったら、違うように感じていたかもしれない。

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(C)2021 OUT OF THE SCALE
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